Accélérer; une directive d'augmenter progressivement le tempo, souvent utilisé pour créer de l'excitation, propulser l'élan, ou transitionner vers une section plus rapide.
Le accelerando (souvent abrégé en accel.) est un terme italien signifiant "accélérer". C'est une indication de tempo qui instruit l'exécutant à augmenter progressivement la vitesse de la musique. Contrairement à un saut soudain vers un tempo plus rapide (comme subito allegro), accelerando est un processus d'accélération. C'est un outil expressif puissant utilisé pour créer un sentiment d'urgence, d'excitation, ou d'élan vers l'avant, menant souvent à une section plus rapide ou à un moment culminant.
Dans la notation, accelerando est écrit au-dessus de la portée, souvent accompagné d'une ligne pointillée indiquant la durée de l'accélération. Il peut se produire sur quelques mesures ou une section entière. Le but est de faire sentir l'accélération naturelle et motivée, pas frénétique ou hors de contrôle. Il mène souvent à une nouvelle indication de tempo plus rapide ou à un retour à une vitesse précédemment établie.
Musicalement, accelerando est défini par l'augmentation progressive du pouls. L'exécutant doit accélérer doucement, en s'assurant que le rythme reste serré et que l'articulation reste claire. Ce n'est pas une "course" où le temps est perdu ; c'est plutôt une accumulation contrôlée d'énergie. Le taux d'accélération peut varier : il peut s'agir d'une progression douce sur plusieurs mesures ou d'une montée rapide dans les dernières mesures.
Le défi réside dans le maintien de la précision tandis que le tempo change. Si l'accélération est trop erratique, elle peut sonner comme désordonnée. Si elle est trop lente, elle peut perdre son impact. Le vrai accelerando ressemble à une voiture qui appuie doucement sur l'accélérateur pour gagner de la vitesse. Cela nécessite que l'exécutant ait un fort sens interne du pouls pour guider l'accélération sans perdre le temps.
Le accelerando est omniprésent dans tous les genres de musique occidentale. Dans le répertoire classique et romantique, il est fréquemment utilisé pour construire la tension avant un climax, ou pour transitionner d'une introduction lente à une section principale rapide. Dans l'opéra, il marque souvent un moment de panique ou d'excitation croissante. Dans le jazz, il est utilisé pour propulser le groove plus vite pour un solo ou un tag final. Dans le rock et la pop, il est courant dans les montées pour créer un sentiment d'attente avant une chute ou un refrain.
Les compositeurs utilisent accel. pour manipuler la perception du temps et de l'énergie de l'auditeur. Un accelerando bien exécuté peut faire sentir un passage comme s'il volait, tandis qu'un mal exécuté peut sonner comme une erreur. Il est souvent associé à ritardando (ralentissement) pour créer un contraste dynamique et façonner l'arc musical global.
Pour jouer un accelerando sain, pensez-y comme à une "montée contrôlée". N'accélérez pas au hasard ; planifiez le taux d'accélération. Pour les chanteurs et les joueurs d'instruments à vent, maintenez le soutien du souffle et la vitesse de l'air même lorsque le tempo augmente, en vous assurant que la hauteur ne s'aiguise pas involontairement. Pour les cordes, gardez la vitesse de l'archet augmentant doucement pour correspondre au pouls plus rapide, en maintenant une articulation claire. Pour les pianistes, utilisez un toucher plus léger et une action des doigts plus rapide pour suivre la vitesse sans perdre de clarté.
Écoutez les enregistrements de grandes performances pour entendre comment les maîtres gèrent le accel.. Remarquez comment la musique semble "gagner de la vitesse" sans perdre sa forme. Dans les jeux d'ensemble, la communication est vitale ; tout le monde doit accélérer au même rythme. Si une section accélère plus vite qu'une autre, l'harmonie sera floue. Le vrai accelerando ressemble à une ruée unifiée et énergique qui propulse la musique vers l'avant.